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Pour le mois d’octobre, ce fascicule est un peu hétéroclite, il rassemble quelques cantiques à la Sainte Vierge, connus ou non. Quelques cantiques déjà présents dans les fascicules 1 et 1bis n’ont pas été reproduits ici. C’est l’occasion de présenter quelques nouveaux auteurs de cantiques. En effet, toutes les mélodies ne sont pas anonymes et de tradition populaire ancestrales, certaines sont de facture plus récente.

Une mélodie populaire

Ce fascicule présente une mélodie populaire tout de même : “De concert avec les anges”. La facture en est très simple, le livre des accompagnements de Besnier en donne une harmonisation très agréable avec une petite introduction à l’orgue. En raison de la simplicité du rythme, il faudra veiller tout particulièrement à ne pas hacher le chant en coupant toutes les quatre notes. Les liaisons sont indiquées à cet effet et vous noterez que la première phrase du refrain doit être chantée d’un seul souffle. C’est ainsi qu’on mettra en valeur le rapport au texte. Voici l'enregistrement.

Dans la mélodie, on peut noter également que le mi n’est pas entendu, un peu comme dans l’introït Requiem, ce qui montre que les mélodies populaires sont souvent plus proches des mélodies grégoriennes que les pièces classiques écrites.

Les cantiques XIX^e

Au 19^e siècle, la production de cantiques, pour les pèlerinages en particulier, fut très importante. Le P. Lambillotte (1797-1855) composa plusieurs recueils : 4 volumes de Chants à Marie, un Choix de cantiques sur des airs nouveaux qui en regroupe 180, ainsi qu’un Recueil de chants sacrés. On dit que sa production a moins de valeur qualitative que quantitative. Il est probable, en effet, qu’il ait voulu produire beaucoup et que l’inspiration n’ait pas toujours suivi.

Les cantiques proposés ici sont bien connus “C’est le Mois de Marie”, incontournable pour l’autre mois de la Sainte Vierge, le mois de mai. Ainsi le fascicule servira particulièrement pour ces deux mois de l’année. La mélodie est sans doute plus ancienne. C’est lui qui nous donne également le cantique de consécration à la Sainte Vierge : “O Ma Reine”, dans l’air plus connu que nous proposons ici. Le chanoine Besnier propose un autre air. Les couplets sont nombreux, nous avons sélectionné les plus connus en ajoutant notre couplet 5.

Ces deux cantiques sont en mode majeur. On veillera à mener doucement la grande montée du couplet dans “C’est le Mois de Marie” en respirant après la fin de cette montée. Dans les deux cantiques le balancement du rythme en 6/8 ne doit pas être trop marqué afin de ne pas donner un effet barcarolle, qui peut être évité facilement par un crescendo continu vers le sommet et une descente progressive également.

L’abbé François-Xavier Moreau, curé de Sorigny en Indre et Loire, composa un certain nombre de cantiques pour les pèlerinages à Lourdes, en particulier le célèbre “Nous voulons Dieu”, pour le pèlerinage de la Touraine le 11 septembre 1882. Dans l’original, on notera des ajustements à la prosodie pour certains couplets avec des changements de rythme. Par la suite on a modifié les paroles pour éviter ces variations, c’est une perte regrettable, certainement.

Parmi les cantiques de ce prêtre, nous trouvons également “Quand vint sur terre”. La mélodie en est très simple et il se prête aux diverses circonstances. On veillera à ne pas couper à chaque vers afin de maintenir la ligne musicale. Ce cantique sera très facile à faire apprendre à une paroisse qui commencera par répondre l’Ave Maria en refrain, puis suivra les couplets grâce au fascicule. Voici l'enregistrement.

Le retour au chant grégorien

Nous avons déjà eu l’occasion de parler de cette redécouverte du chant grégorien au tournant du 19^e – 20^e siècle. Aloÿs Kunc (mort en 1895) participa aux travaux de restauration du chant grégorien : Congrès pour la restauration du plain-chant et de la musique d’Église en 1860 et Congrès européen d’Arezzo en 1882, sans oublier les revues qu’il fonda : Corona Sacra et Musica Sacra. Il composa plusieurs cantiques, le plus célèbre étant le “Pitié, mon Dieu”, composé pour l’inauguration de la Basilique de Montmartre. Tout comme le cantique présenté ici, “Reine de France”, la connotation triomphaliste est manifeste, elle marque l’époque de composition. Toutefois ces cantiques sont historiquement incontournables pour nous placer dans le sillage anti-libéral des catholiques du 19^e siècle. En conséquence, il faudra réserver ces cantiques à la sortie de la messe ou aux processions et pèlerinages.

La Schola Cantórum est une des grandes figures de ce renouveau grégorien appliqué à la composition musicale. Nous avons l’occasion ici de présenter un cantique signé par l’un des fondateurs de la Schola, Charles Bordes (décédé en 1909) : “O Vierge Marie”. Il fonda également les Chanteurs de Saint-Gervais dans l’église où il assurait la fonction de maître de chapelle. L’harmonisation du refrain ressort plus de l’harmonie romantique que des modes grégoriens, mais les versets litaniques sont plus simples dans leur facture et peuvent être harmonisés à la manière d’une litanie grégorienne. Voici l'enregistrement.

Dans le « Je vous salue Marie », dit de Chartres, de l’abbé Joseph Louis (à ne pas confondre avec le Je vous salue Marie des JMJ), la musique respecte plus le texte, comme en chant grégorien. On constate, en effet, que le rythme y est très libre, difficile à faire rentrer dans nos mesures classiques. C’est pourquoi on trouvera des écritures différentes et des interprétations rythmiques différentes, nous avons tâché de présenter la version commune. Ce cantique respecte aussi le mode de ré en évitant soigneusement l’enchaînement final de demi-ton do#-ré. Au contraire l’absence de sensible dans l’enchaînement do-ré lui donne une grande solennité (comme nous le disions dans la vidéo sur le sensible et la sensible).

Par l’abbé Louis-Marie Gélineau, prêtre de la FSSPX

Nous avions interrompu notre panorama de la musique religieuse à l’aube du XVII^e siècle, avec le compositeur cité en modèle par saint Pie X : Palestrina. Au lendemain de la Messe du pape Marcel, un nouveau style émerge en Italie, il porte le nom que l’on donnait en joaillerie aux perles irrégulières : barroco. Si l’on demandait à l’un d’entre nous de citer deux grands compositeurs “classiques”, il est presque certain que Vivaldi viendrait à la première place et Bach à la deuxième, Mozart étant certainement relégué un peu plus loin. Pourtant ni Vivaldi, ni Bach ne sont classiques, ils appartiennent à l’époque baroque.

Naissance de l’opéra

L’acte de naissance du style baroque est un opéra du compositeur Monteverdi, en 1607 : l’Orfeo¹. Il raconte, en musique et théâtre, l’histoire d’Orphée et Eurydice, récit tiré de la mythologie grecque. Après le règne de la polyphonie et ses grands chœurs à 4, 6 ou 8 voix, voici venue l’ère du solo. Le style recitativo, comme disent les Italiens, est intermédiaire entre le parlé et le chanté. Sur un accompagnement très discret, le chanteur récite de longues phrases avec quelques inflexions pour les ponctuer. L’opéra contient aussi de nombreux airs où le soliste retrouve sa voix bien chantée. Un peu plus tard on parlera de Bel Canto.

Les instruments prennent aussi de l’importance. Jusque-là ils se substituaient seulement à la voix dans certains passages ; désormais ils ont leur style propre et deviennent de moins en moins interchangeables. Dans l’introduction de l’Orfeo ce sont d’abord les trompettes, puis la lyre avec laquelle s’accompagne Orphée, et les autres instruments à cordes pincées.

Le pendant instrumental de l’opéra est le concerto : il exalte un soliste instrumental, qui rivalise avec un orchestre. Chez Corelli (mort en 1713) c’est le violon, chez Vivaldi (mort en 1741), le violon principalement, mais aussi d’autres instruments comme le basson, chez Telemann (mort en 1767), c’est la flûte, chez Bocherrini le violoncelle. Chacun met en valeur ses instruments de prédilection.

En France, la musique s’allie à la danse, chez Lully (mort en 1687) d’abord, mais jusqu’à Couperin (mort en 1733) et Rameau (mort en 1764) qui écrivent aussi ces danses bien connues : gavotte, bourrée, sarabande, menuet.

En Allemagne, on travaille la structure musicale, rien n’est laissé au hasard. Si bien que l’on retrouve avec Jean-Sébastien Bach (mort en 1750) la complexité de la polyphonie de la Renaissance associée au sens de l’harmonie apporté par les premiers baroques. C’est un sommet musical, une réussite du génie humain.

La musique de l’homme

Que ce soit dans l’esprit démonstratif italien, ou dans la danse française, ou dans l’intellectualisme germanique, le principe général de cette révolution baroque est l’anthropocentrisme. Un historien de la musique qui n’a rien de catholique, Philippe Beaussant, le dit bien : Tandis que la musique de la Renaissance peignait l’harmonie du cosmos, nous pourrions dire, de Dieu, la musique baroque s’attache à décrire les passions humaines.

C’est pourquoi les voix perdent leur égalité, leur pureté, leur mélange si naturel chez Palestrina. Mais un solo prend le dessus, et tous les autres, y compris les instruments, l’accompagnent. Ainsi, il peut exprimer plus librement son individualité, sans contrainte d’un ensemble. C’est ce que font politiquement les protestants en proclamant la liberté individuelle du croyant. En musique cela s’applique aussi dans le concerto : l’orchestre accompagne et le soliste se montre, les concertos de Vivaldi, par exemple, sont très démonstratifs.

Pour les Français, il faut que la musique marche, à l’époque baroque cela signifie qu’elle danse. Les ornements viennent chatouiller l’oreille pour plaire à la cour, et surtout au Roi soleil. Même les messes d’orgue de Grigny, Couperin, et les autres gardent une parenté avec ces danses de la cour royale.

En Allemagne, l’humanisme est plutôt intellectualiste : toute la musique de Bach est le fruit du génie de l’intelligence humaine. Mais il manque certainement cet aspect inexpliqué qui fait le génie “divin”, chez Mozart par exemple.

C’est pourquoi, au regard des principes donnés par saint Pie X, la musique baroque en général n’est pas la plus appropriée à l’église, et le solo en particulier. En effet, le saint pape souhaite que la musique soit d’abord orientée vers Dieu, avant de susciter des passions modérées chez les hommes, afin de les amener à Dieu par le sensible. Beaucoup de musiques baroques se placent résolument dans le domaine du profane, par leur mode d’expression humaniste, et donc hors du temple, comme l’étymologie du nom l’indique. Cela ne signifie pas que chanter ou jouer la moindre pièce baroque soit une faute, mais il ne faut certainement pas en abuser.

Par  l'abbé Louis-Marie Gélineau, prêtre de la FSSPX

Publié dans le Petit Eudiste n°219, juin 2021 

Pour tous ceux qui souhaitent s'initier à l'accompagnement et ne peuvent profiter des sessions à Mérigny, le Centre Grégorien propose un nouveau cours par exercices progressifs. Ce cours s'adresse aux débutants complets, mais il peut aussi être utilisé par ceux qui connaissent déjà l'orgue. Le but est d'intégrer petit à petit les notions d'harmonie par la pratique afin de comprendre comment fonctionnent les accompagnements écrits que l'on peut suivre, et de pouvoir noter et jouer facilement son propre accompagnement sur la partition grégorienne.

Ce nouveau cours se met en place progressivement, vous trouverez ici les leçons 1 à 12. Les mises à jour en fonction des retours, la suite et des exemples plus abondants viendront prochainement. Les professeurs sont à votre disposition pour les questions, conseils et corrections, contactez le webmaster.

Bon travail !

abbé Louis-Marie Gélineau

Poursuivons notre panorama de la musique d’Église sous le regard de saint Pie X et de son « code juridique de la Musique Sacrée ». Nous avons vu dans le dernier article que le chant grégorien était non seulement le modèle, mais au Moyen-Âge la base de toute musique, sacrée comme profane. Mais parmi toutes ces musiques, il en est une qui en découle de façon presque organique, celle que saint Pie X appelle la polyphonie classique. Il entend par là les premières polyphonies, jusqu’au XVI^e siècle.

Apparition de la polyphonie

Le principe de la polyphonie au Moyen-Âge est une sorte d’accompagnement du chant grégorien par une, puis plusieurs voix. Le premier style d’accompagnement est le bourdon. Comme sur une cornemuse, une voix plus grave tient une note pendant que la mélodie grégorienne se dessine au-dessus.

le Petit Eudiste n°217

Un jour que l’on demandait à saint Pie X ce qu’il était bon de chanter à la messe, le saint pape répondit tout de suite : « On ne chante pas à la messe, on chante la messe. » En effet la musique d’église prend sa source dans les textes liturgiques eux-mêmes. À tel point que même la musique profane du Moyen-Âge utilise les thèmes grégoriens comme base de ses compositions.

Nous avons vu dans l'étude des Documents Pontificaux comment saint Pie X donnait les trois caractéristiques nécessaires de la musique liturgique dans son Motu Proprio. Faisons avec lui l’application à la première musique liturgique : le chant grégorien.

Le chant grégorien

Le chant liturgique remonte aux toutes premières années de l’Église. Malgré la persécution, elle adopte immédiatement le chant des psaumes, à la suite de la Synagogue. D’une récitation assez simple avec quelques inflexions de voix, la musique s’orne progressivement jusqu’à donner notre répertoire actuel, dont la majeure partie remonte à la période entre saint Grégoire le Grand (père du chant grégorien) et Charlemagne (unificateur de la liturgie en Europe), soit de 600 à 800.